“Dans toutes les traditions, si vous écoutez attentivement, vous entendrez une histoire dont vous attendez pour vous souvenir.” J’ai vu cela prendre vie pour l’art de Rajastani.
Au cours des dernières années, j’ai voyagé dans toute l’Inde et je me suis plongé dans des formes d’art traditionnelles – non seulement en apprenant à le faire, mais aussi pourquoi c’est important. Alors que chaque zone tenait son trésor créatif, le Rajasthan en particulier se sentait à travers un musée vivant de couleurs, du rythme, du dévouement et de l’histoire. Des murs du temple aux imprimés en tissu, l’art du Rajasthani qu’il a affronté n’était pas séparé de la vie – c’était la vie. Plus que de simplement surveiller cela, ces formes se sont pratiquées avec des artisans locaux, et ce faisant, les profondeurs de ma compréhension de leurs racines sacrées, de leur esprit et de leur esprit.
La mini-assiette – le joyau de la précision
L’art des peintures miniatures de Rajastani à Godbur, à la galerie d’art Omid, est dirigée par un grand artiste connu sous le nom de “Lentil Man”. Il est célèbre pour peindre les granules du riz et de très petites lentilles, vous avez besoin d’une tasse grossière pour voir son travail, et il m’a laissé sa maîtrise de la précision incapable de parler.
La mini-assiette, bien qu’elle soit de petite taille, porte une énorme profondeur culturelle. Il a prospéré sous les auspices de la propriété au XVIe siècle, combinant de nombreux problèmes indiens. Les royaumes Rajput tels que Mewar, Marwar et Kishangarh avaient leur propre saveur locale, représentant des scènes de l’épopée, la vie de la cour et des histoires d’amour.
Ce qui rend cet art très convaincant, c’est son utilisation de colorants naturels – Lazoli Lapis Blue, Cinnabar pour le rouge, le point de vert et 24 carats de feuilles d’or et d’argent des accents. Il s’agit de la terre, de la main-d’œuvre, mélangée à des gencives arabes, et l’applique avec des pinceaux en cheveux d’écureuil.
Sous la supervision du lentille, une vache décorative a été dessinée – une image sacrée et répétée symbolisant l’abondance, la protection et la divinité. Chaque cloche, couronne et courbée avec des détails intenses a été fournie. Ce qui semblait être une technique qui s’est rapidement révélé comme une philosophie: ralentit, est présent et explore l’attention sur les plus petits détails. La mini assiette m’a appris que la sincérité n’est pas toujours fortement; Parfois, il chuchotait en lignes plus petites qu’un riz.
Panneau Pichwai – Udaipur Pinflaz
Mon voyage avec Pichwai a commencé à Udaipur, où je me suis entraîné à la Indigo Arts School, fondée par Manoj, un artiste qui rêve beaucoup plus que ses propres pinceaux. Manoj gère également une maison d’hôtes, une étrange salle où chaque mur, plafond et coin-in-in-pouces n’est pas touché.
La peinture Pichwai est une forme artistique de 400 ans à Rajasthani de Nathdwara, créée principalement pour décorer le temple Srinathji. Les grands manuscrits textiles représentent ces événements, festivals, festivals divins ou sport secret de Krishna, en particulier dans le symbolisme de Srinthji.
Le nom “Pichwai” signifie littéralement “qui est attaché à l’arrière”. Traditionnellement, ces œuvres ont servi de contexte derrière Morti et ont changé avec les saisons – Sharad Bornima, Janmtami, Anakot, Holly – Magnifiquement actrice.
Colorants en matériaux naturels: suie du noir et du curcuma pour le jaune et l’indigo pour les véritables accents bleu et argent et dorés. Je sentais Petchway comme s’il avait rejoint une prière il y a des siècles. Chaque vache n’était qu’une vache-kamadino était un désir de réaliser. Tout le monde n’était pas juste une fleur – c’était un siège cosmique.
Ces œuvres ne sont pas seulement décoratives – ce sont des spectacles spirituels, des cartes et des vêtements de chant.
Bhitti Chitra & Nail Art – Murs vivants et petites peintures à Shilpagram
Udaipur a offert un autre trésor: Shilpagram, un village littéral entre les collines, vivant avec de l’artisanat, de la musique et de la beauté rurale. Ici, j’ai rencontré Satyanarayan Dhabhai, un artiste nail expert qui était très incroyable et dévoué. À l’aide de pinceaux haute résolution, il a dessiné des cris sensibles, des animaux et des décorations légendaires sur des ongles individuels avec une complexité incroyable. Certains de ses mini-travaux ne peuvent être estimés que par une tasse d’agrandissement. Le regarder au travail comme s’il était témoin de l’art rencontre la méditation. Chaque ongle est devenu un tissu. Tous les détails, quelle que soit la petite intention, qui ont enduré. Il a parlé du nail art comme une forme d’élégance quotidienne, où les traditions rencontrent la mode, et comment il a souvent conçu avec le folklore ou les symboles spirituels qui sont transmis à travers les générations.
Mon séjour à Odyssey comprenait également du travail sur l’art de l’art de Bahtitra sur les murs de Havili, où j’ai peint des scènes de la vie du village, des animaux et des divinités avec des pinceaux traditionnels en bambou de bâtons en bambou. Des surfaces remplies de citron, des colorants d’acné, de la craie blanche et des bénédictions compactes dans chaque image reçoivent le but de l’œuvre derrière la décoration. Ces peintures murales ne sont pas seulement un art. Ils sont une protection, une célébration et une identité gravées dans l’architecture.
Le maximum de moi est de savoir comment la société dirigeait cet art. Les villageois viendront regarder et même soumettre des intrants, décrivant les divinités vénérées ou les motifs de leurs maisons d’enfance. Chaque mur raconte l’histoire de l’appartenance. J’ai vu les grands-mères raconter les rituels tandis que les jeunes enfants ont submergé leurs doigts dans la peinture. À Shilpagram, l’art était un souvenir et un miroir, et a révélé qui était la société et ceux qui espéraient devenir. Il ne s’agissait pas de perfection. Il s’agissait de mémorisation. Dans cet acte commun de peinture, je me sentais cousu dans le tissu du patrimoine du Rajstistan du quartier.
Blue Pottery – Alchimie à Jaipur
À Jaipur, j’explore une manière complètement différente – en céramique – chez Sri Kripa Blue Art Pottery. La poterie bleue n’est pas utilisée, contrairement à la plupart des céramiques, de l’argile. Au lieu de cela, il est fabriqué à partir d’une pâte unique basée sur du quartz mélangé avec du verre, du mitti mulani ou de la terre, du borax et de la gomme de Fuller, puis lancé à basse température.
Cela rend la poterie plus fragile mais lui donne une riche transparence. Cette technique a été réalisée sous les auspices du Meshja Sawai Ram Singh II au XIXe siècle.
La caractéristique distinctive de la poterie bleue est sa palette de couleurs – cobalt, turquoise et légumes – dessinée avec des conceptions florales et ingénieurs qui ressentent des chuchotements sensibles des jardins royaux. J’ai peint des navires et des carreaux avec Arabesx, Lotus et Clouss. Il y avait quelque chose de fondé dans le processus – pétrissage, formation, dessin, verre et attente.
Comme un talisman calme dans le four, il m’a rappelé que la beauté prend du temps et que la fragilité a son propre pouvoir.
Foultes indien-européennes-externes au Godbur Palace
Dans le palais de Godbur le moins connu, elle a fait face à quelque chose de complètement inattendu – les murs de Ramaya et M et Maarata avec les toges coulant, les positions roumaines grecques et les peintures murales similaires à la Méditerranée. Ce sont les œuvres de l’artiste polonais Stephen Norlin, dont le style européen-indien des cultures a été intégré à l’époque coloniale. Les colonnes grecques derrière Hanuman se tenaient à travers le ciel et les divinités indiennes portaient des expressions européennes. Ces peintures murales hybrides de la mémoire à travers des cultures chuchotées à partir d’histoires transmises, évoluées et évoluées.
Ce qui m’a fasciné, c’est la façon dont l’art Norblin à l’est et à l’ouest – non en réduisant les traditions, mais en honorant les deux. Son utilisation de la lumière, de l’ombre, des tissus théâtraux et de la précision anatomique qui ont été empruntés aux effets de la Renaissance confortablement avec les sujets sacrés indiens. J’ai passé des heures à dessiner et à imaginer ces pièces plus tard dans le stylo et l’encre, et j’ai fusionné les symboles orientaux avec des formes occidentales.
L’un des détails qui a attiré mon attention en particulier est les boucliers et la pièce qu’Arjuna et nos chromies portent dans les peintures murales. Au lieu des Dhotis et Mukuts habituels vus dans les icônes indiennes, ils ont été photographiés par la poitrine, les vestes pliées et les casques tissés – nettement similaires à ceux portés par les anciennes divinités et guerriers grecs. Leurs positions ont répété les statues classiques, avec des muscles presque spécifiques et des expressions hellénistiques. C’était comme s’ils étaient sortis de la fresque légendaire à Athènes et dans les pages du Mahabharata. Ce mélange stylistique n’a pas parlé de sa divinité – il peut plutôt indiquer comment les histoires ont dépassé la culture et capturer de nouvelles formes et esthétiques tout en se déplaçant. En voyant Norblin, Krishna n’est pas devenu seulement un dieu hindou mais comme un modèle mondial de sagesse et de stratégie, tandis qu’Arjuna se tenait en tant que chercheur éternel, son arc comme symbolique comme n’importe quel philosophe.
Il m’a rappelé que les vieilles histoires sont instables – ils bougent, respirent et absorbent tout ce qu’il touche. Ces peintures murales n’étaient pas seulement des peintures. Ils étaient des pourparlers à travers le temps et la géographie. Ils ont poignardé l’idée de pureté dans les traditions et ont fait de la place pour la coopération, l’adaptation et l’identité avec des couches. En eux, j’ai vu un rappel que les frontières culturelles devaient être traversées – avec une révérence.
L’esprit de l’engin sacré
Chacune de ces expériences n’était pas seulement l’apprentissage de l’art ou de l’artisanat dans l’État de Rajastani – il s’agissait d’entrer dans la lignée, d’honorer le rythme et de permettre à l’art de remodeler la façon dont j’ai vu le monde. Rajastman m’a non seulement donné des compétences, mais juste une sanctification plus profonde des traditions et un instinct plus fort pour raconter des histoires à travers la forme, la couleur et le silence.
Ce qui m’a surpris, c’est comment aucune de ces traditions ne ressemblait à “présent”. Ils étaient vivants – entre les mains des artisans, dans le rituel du temple, dans les festivals et même dans les rues. Cela ne coupe pas le musée mais les travaux de dévouement et d’identité. Qu’ils soient des pigments de broyage, de lier de petites cloches à la frontière ou de dessiner une colline de Lotus pour la cinquantième fois, chacun est un geste sacré.
Dans un monde qui se déplace rapidement, l’art traditionnel nous rappelle le pouvoir du ralentissement, de l’écoute et de la création de quelque chose avec présence.
Je me suis éloigné du Rajstistan non seulement avec des peintures, mais avec les empreintes digitales des conversations, des philosophies et des moyens de voir cela restera avec moi pour toujours. En tant que voyageur, artiste et narration, je porte maintenant ces traditions dans ma voix, dans l’espoir de partager leur âme avec chaque coup de pinceau et chaque mot.
À propos de l’auteur
Divia Ramashandran C’est un artiste émotionnel, fondateur Projet Wall WallL’auteur de Children’s Book, Stories Narrateurs avec une tendance au théâtre et au théâtre. Avec une expérience dans l’enseignement et l’amour de l’art, la créativité mélange des histoires à travers les médias. Elle inclut son travail Think.build.Create Les enfants ont écrit comme La cuisine est khikdiet Souviens-toi de moiEt Yoga avec M. Foxx. Elle héberge également Encre magiqueLe podcast vocal donne vie aux histoires. Devia, une voyageuse et explorateur en culture artistique en Inde, se déplace alors qu’elle tisse ses expériences d’écriture, d’art et de musique. Vous pouvez communiquer avec lui Instagram @ Sierrashine2023
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